Gonzalo Tena: “Goya supo quedarse con lo esencial de la pintura, tal vez lo negro”

Gonzalo Tena (Teruel, 1950) recibió este otoño el Premio Aragón Goya (en su convocatoria de 2017), que concede el Gobierno de Aragón a "la labor continuada o de especial notoriedad en el ámbito de las artes plásticas y visuales de artistas aragoneses". Tena, que estudió en las escuelas superiores de Bellas Artes de Valencia y Barcelona, fue miembro fundador del Grupo de Trama (junto a Broto, Grau y Rubio), seleccionado en 1976 para la Bienal de Venecia. Cuenta con obra en el Museo Reina Sofía y, entre sus numerosas exposiciones individuales y colectivas, destaca la importante retrospectiva que el Museo de Teruel y el Museo Salvador Victoria (Rubielos de Mora) dedicaron a su trayectoria: “Gonzalo Tena, 1971-2017. La textualidad de la pintura”. Actualmente, es asesor en el grado de Bellas Artes y en la Escuela de Arte de Teruel, ciudad donde reside y trabaja.

Del mismo modo que, en su obra imagen y lenguaje se entremezclan con lucidez, las referencias visuales y las reflexiones estéticas, sobre el pasado y el presente, fluyen en esta entrevista con humildad y cercanía de las palabras de Gonzalo Tena; sin duda, una de las grandes figuras del arte contemporáneo aragonés.

Después de estos meses, ¿cómo recuerda recibir el Premio Aragón Goya?

Siempre es emocionante recibir un premio y, más, cuando este ya ha adquirido una categoría gracias al apoyo de la Fundación Térvalis y el Gobierno de Aragón, que ha recuperado su dotación económica; esto siempre lo agradecemos los artistas. Pero, también, emocionado porque es un premio que para mí siempre ha tenido prestigio por llevar en él los nombres: Aragón y Goya.

Aunque todavía dentro del arte figurativo, Goya fue un precursor en el largo camino hacia la abstracción, ¿de qué manera le ha influido en su obra?

Goya ha influido en casi todos los pintores de Aragón, aunque a veces no nos demos cuenta ni nosotros mismos. Yo recuerdo la primera vez que vi las Pinturas Negras, aquello me impresionó. Luego, a lo mejor lo vas olvidando, después vuelves, pero Goya está siempre presente. Es técnicamente un pintor perfecto. Cuando ves alguno de sus cuadros, y observas cómo trabaja la pintura, quedas impresionado.

¿Podríamos decir entonces que sus Pinturas Negras es la serie que más admira?

Sin duda. Las Pinturas Negras marcan un punto de inflexión, después habría que esperar hasta alguna revolución como la de Picasso para encontrar algo parecido. Goya supo deshacerse de muchas cosas y quedarse con lo esencial de la pintura, tal vez lo negro.

Imagino que de esa admiración surgió una de sus series dedicada a ellas…

Sí, se me ocurrió hacer un homenaje a esta serie de Goya, pero un homenaje con un carácter irónico, porque son unas Pinturas Negras en las que empleo el color —naranja, violeta, verde, rojo, amarillo…—, pero que, sin embargo, debajo siempre incluyen pintada la palabra “negro”. Mi obra se basa mucho en la palabra y, en este caso, además, en el concepto de lo negro. Como digo, se trata de algo un poco irónico, pero que al mismo tiempo creo que respeta mucho el espíritu de Goya.

Goya también fue uno de los primeros artistas en hacer crítica social desde la pintura, intelectualizando, además, el arte con una libertad estilística nunca antes vista. Salvando la distancia temporal, ¿podríamos establecer cierto paralelismo con la propuesta del Grupo Trama?

Sí, porque en el fondo Goya era un intelectual de la pintura. Era un superdotado técnicamente, que al mismo tiempo tenía muchas preocupaciones políticas e intelectuales. Todo eso se ve en su obra. Y también el Grupo Trama intentó reivindicar que la pintura tenía un poder intelectual e incluso de crítica, de profundidad de pensamiento. Goya produce inquietud en muchas de sus obras. A quien las mira no le genera esa sensación agradable que puede producir un paisaje o un cuadro que se piensa que pueda quedar muy bien encima del sofá del salón. Goya transmite la sensación de que hay algo más detrás de lo que el espectador observa en sus lienzos.

En mi caso, también me gusta molestar al que mira la pintura, que no se complazca. Porque de no ser así la pintura toma carácter de espejo, y es cuando el espectador dice: “Qué bonito es este cuadro”, pero en realidad está pensando: “Qué bonito soy yo que lo estoy mirando”.

¿Por qué no vemos tantos grupos artísticos como en el siglo pasado?

Antes, en los años ochenta, había que empezar trabajando en un grupo porque las galerías de arte se interesaban más por ti. Ahora, también existirán pero posiblemente a través de Internet. El concepto de grupo sirve para empezar a colaborar, para aprender, y yo aprendí mucho en todos los años que trabajábamos juntos los de Trama. La juventud lo seguirá haciendo, porque es casi instintivo unirse para tener más fuerza; no es fácil empezar. Por eso el concepto de grupo creo que sigue funcionando.

¿Cómo ve el arte actual?, ¿es más difícil innovar en la sociedad globalizada en la que vivimos?

Es igual que siempre. Las cosas no cambian tanto como parece. Los avances tecnológicos y la manera en la que nos relacionamos sí cambia, pero realmente, como decía mi admirada Gertude Stein, lo único que cambia es el paisaje. Los cambios son solo matices. Siempre habrá innovaciones, claro, yo por ejemplo soy un gran admirador de los grafitis.

Y, como asesor del grado en Bellas Artes y en la Escuela de Arte de Teruel, ¿considera que la titulación está revitalizando artísticamente la ciudad?

Soy asesor externo y tengo relación con los alumnos, veo las exposiciones y sí, claro, hay movimiento como es natural.

El germen de Trama surgió en Barcelona, ¿todavía hoy el artista ha de marchar a las grandes ciudades?

Nosotros, excepto Xavier Grau, éramos un grupo de aragoneses exiliados en Barcelona, porque entonces era el sitio de vanguardia y de más libertad intelectual. Ahora creo que hay más movimiento en Madrid. Barcelona ha perdido ese concepto que tenía antes de vanguardia y de ser la capital más moderna de España, ahora los movimientos físicos, al margen de los que surjan en Internet, creo que están más en Madrid.

En sus últimos trabajos se acerca cada vez más a la instalación, a través de la creación de libros-escultura, ¿cómo se ha producido esta evolución en su obra?

Se me ocurrió hacer libros-objeto, porque siempre me ha gustado estar entre géneros. Admiro las instalaciones, el happening, la performance, y quería hacer algo un poco diferente: libro, pintura, novela, escritura...

Y, además, es un reconocido experto en la obra de Bruegel el Viejo, ¿cómo comenzó su interés por el artista?

Fue por casualidad a raíz de mi afición a la lectura. Me dejaron un libro de Juan Benet sobre el cuadro La torre de Babel, y vi que el libro estaba equivocado, pero además encontré en Bruegel una complejidad de pensamiento y una profundidad de concepto que no había visto nunca. Comencé a interesarme por su obra, pero sobre todo por una especie de etapa escondida en sus pinturas que me parecía fascinante; estuve estudiándolas y reproduciéndolas en dibujos casi doce años. Para mí es uno de los pintores más grandes que han existido en la historia del arte. Ahora he cerrado esta etapa, pero el interés nunca se pierde. Tengo muchísimos dibujos y muchísima obra, algún día saldrá. Quizá ahora que es año de Bruegel es la ocasión de sacarlo adelante.

¿Actualmente está preparando algún proyecto expositivo?

He expuesto hace poco en dos muestras colectivas en Granada ("Mitad anuencia, Mitad mentira", 2018) y en Gijón ("Fundido a negro", 2018)… Lo mío es trabajar todos los días, y de pronto sale una exposición. De momento, no tengo ninguna exposición grande claramente planteada, pero tengo obra para llenar varias salas.